没有！没有哪个儿童绘画班能将你的宝宝培养成毕加索。
是的，毕加索曾经说过这样一句话：我花了四年时间画得像拉斐尔一样，但用一生的时间，才能像孩子一样画画。
但是为什么你孩子的画，只是一幅涂鸦，而毕加索的画，随随便便够你买上十七八所培训学校了。这中间的差距究竟在哪里？
其实这就像一个不会武功的人凭着本能乱打一气，而孤独九剑虽也无招但招招制胜一样，其中的差距不知其许。不过好在风清扬没有告诉令狐冲说：去，像孩子一样打架！否则早被田伯光抓走当了不戒和尚的女婿了。
首先你要知道，毕加索绝对是个天才级的人物，他出生在美术世家，爸爸就是一个美术教师。虽然算不上大师，但是从小耳濡目染，这样的原生环境，是绝大多数的家庭所无法提供的。而且据说有一次，毕加索的爸爸画一只鸽子的时候，画了一半出去了有事了，等他回来的时候，发现鸽子已经画好了，而且看起来比他自己画得还要好，他十三岁的儿子坦诚了这件事，爸爸长叹一声，就此封笔。这只鸽子画什么样我不知道，不过我们可以看看毕加索11岁的素描：
14岁毕加索巴塞罗那的隆哈美术学校；16岁进入马德里的皇家圣费南多美术学院就读，油画作品《科学与慈善》获马德里全国美展荣誉奖，后来又在马拉加得到金牌奖；也就是说，16岁的毕加索，已经成为了全国一流的画家。
（毕加索15岁的作品）
不过如果毕加索照着这样的路走下去的话，西班牙或许会多一位优秀的画师，但是美术史上就会少一位大师！在其后十多年里，毕加索也在不断地探索，不断地改变画风，直到30岁以后，才基本奠定了立体抽象主义的现代画风，然后在余下的六十年里，返璞归真，才真正学会了像孩子一样画画。
这里所说的孩子一样画画，其实是个误导，要表达的不是画画，而是像孩子一样来认知世界。
要知道，画画对于成人来说是一项技能，但是对于幼年的孩子来说，却是他们表达自己认知的世界的一种方式。
其实关键在于孩子大脑的结构以及对这个世界的认知方式和成人是不一样的。
在儿童心理学中，3-8岁的孩子被称为“大师期”，这时候的孩子，他们会尝试着用图画来表达自己。
3、4岁的孩子会发现，只要画出一个圆圈，然后点上两个点，再在下面标出一条横线，然后再加上表达身体和四肢的线条，就可以表达这是一个“人”的想法。这种发现会让他们兴奋不已，然后重复不断地绘制同样的主题，直到熟练为止。这是他们认知世界的第一步：极简的抽象概念。
等到了4、5岁的时候，他们已经能够熟练的地掌握了一套正面人物的画法，虽然基本上人都一样，但是会通过大小、服饰、发型予以区分。这时候他们对于周围事物的认知已经开始细化，一些简单的细节出现了。
到了6岁左右，除了人，孩子们还会自发地发明和创造出一套风景的符号，并通过反复的实验来确定每个符号所表示的意义。孩子们都是天生的构图大师，由于对这个世界是通过简化的符号来表达的，所以他们可以很轻松地画出一个场景，然后将人物放置其中。
但是，这往往也是我们一个人一生中绘画水平的巅峰了，其后孩子们开始接受正规的教育，对于事物的认知也开始逐渐的理性和丰富，8、9岁以后的孩子来画画，就会发现他们向着写实的风格发展，从平面走向三维，但是由于挥之不去的符号化的影响以及新的感知的共存，将三维空间中的物体绘制在二维的纸上时，会经常发生错位。也就是我们所说的比例、结构上的错误。
随着大脑的逐渐成熟，对周围世界认知的细化，孩子们原来创造的那套符号已经无法表达出他们丰富想法，这时候，如果没有合适的环境进行进一步的绘画方面的技能训练的话，孩子们也就会放弃图画表达的方式，通过另外一套更加抽象的符号——文字语言来表达自己了。
而毕加索，正是充分地意识到了这样一种思维认知模式的演化过程。他发现，古典写实主义画法已经无路可走，艺术的未来需要放弃对于浮华表象的描绘而直指人心。所以他选择了背道而驰，用10岁孩子的眼睛、结合了高超的绘画技艺，才创造出了如此另人炫目的作品来。
佛家描述人生的三重境界：看山是山，看山不是山，看山还是山。孩子的自然发展，让他们从看山是山成长到了看山不是山的地步，但是真正突破第三层的，世上又有几个人呢？
儿童绘画班是教不出毕加索的。我们能做的，就是鼓励孩子多多拿起画笔，无拘无束地随心所绘，而不是灌输各种技法、风格，将我们成人眼中的世界强加给他们。
唯有这样，或许将来的某一天，他会突然回忆起童年绘画的感觉和乐趣，那么，一个新的毕加索也许就此诞生！
宝宝学画画其实不用报班，找所谓专业的老师指导，只要您为宝宝提供工具，场地，再加上耐心陪伴在他们身边，您会发现，宝宝就是一位艺术大师，象以下视频里的这位宝宝一样，堪称是毕加索。艺术给创作者带来的最重要的幸福感，就是能够随心所欲地表达自我，家长们要鼓励宝宝，让他们从一开始就对自己的表达充满自信。
今天我们推荐给您《混色魔法》babystep.tv 1分钟视频（请到[玫瑰]头条babystep育儿收看），让您了解如何鼓励宝宝通过绘画锻炼自己的感官，促进宝宝发育。之后，为您介绍一个让宝宝与大自然一同作画的趣味教程。
“想找到一个既能吸引孩子注意力又能激发孩子创造力的游戏吗？不如让家里的小毕加索把各种颜料混在一起试试看吧。当18个月大的迪伦知道如何抓画笔并用其在纸上画画之后，他就很喜欢自己画各种圆圈和线条。他其实并不在意自己画了什么，而是完全享受画画的过程。妈妈会准备几种颜色，从而让迪伦意识到不同的颜色混合在一起会发生什么。与此同时，妈妈还会在一旁和她说话，帮他认识各个颜色的名字。这种开放性的游戏能刺激迪伦的触觉和视觉感官，帮助他发展精细运动技能。画画能够在激发创造力的同时帮助孩子认识到各种不同的颜色及其之间的协调性。”
今天，我们为大家带来了一幅与大自然一起创作出的美丽画面——将水彩画和雨点结合做出一幅有特殊效果的画，你有没有尝试过这样的结合方式呢？这样作画的办法很简单，而且每次都会有不同的特效出现。
所需材料：
- 水彩纸，或厚一点的白纸，能够禁得起谁打湿的
- 水彩颜料
- 水彩毛笔
- 几块石头，或重物用来做镇纸
- 一个下雨的天气:)
制作步骤：
1. 在画纸上设计要画的图像，按照你喜欢的样式画
2. 将调色盘里的颜料加水调好
3. 给图样刷上水彩颜色
4. 在水彩颜料还湿着的时候把画纸拿到户外，用石头或镇纸压在画纸上以免被风吹跑。
5. 然后可以邀请大自然的魔力加入了。和雨一起合作的效果非常棒！注意观察，当雨滴滴到画纸上会给画面带来什么样的改变；雨水泼溅到颜色块上，水彩颜料随着风雨蔓延游动，有时候会将不同的颜色混到一起。
每一幅画都是唯一的，与大自然雨水一同作画，你永远想不到最终的画面效果。
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毕加索的古典画派的画工毋庸置疑，十几岁的他已经就表现出天才成熟的技法。这也为他后来奇怪的画法奠定了基础，而且没有人会看到毕加索中期、后期某些看不懂的画质疑他的画功。
画这幅画的时候，毕加索还没有“走花入魔”。画面里是几个妓女。在毕加索17、8岁的时候，他去了一趟“红灯区”，匆匆、惶恐地走过，并没有看清、也没太敢多看那些妓女，只是一些零星的片段。7年之后，他回忆起当时的情景，一切都已模糊，片段也已拼凑不起来。他凭着记忆，把当时零星的片段尽量拼凑起来，就成了眼前的这副模样。这种画法区别于传统画法。传统油画，是一个人或者一些人老老实实地呆在那里，让画家一点点的画，而本作品，是毕加索凭记忆图画7年前的一些零星的场景。这也成为他后期化作的基础。
这幅画已经相当走火入魔了。但是，特点很明确，所以选择这一副。他的画法的特点，就是，把眼前的具体事物似乎像用一个刀子一块块割裂开，然后在以某种他自身的逻辑拼凑起来。所以，毕加索一直否认他画的是抽象画。因为他的画虽然确实很多人看不出他画的是什么，但他确实画的是具体的事物，而不是抽象的概念。打个比喻，就好像现在的拼图游戏一样。古典画家，是把拼图正确地拼凑在一起。而毕加索，是以他自己的某种逻辑，甚至是移动的视线（古典画派是模特和画家固定，视线也固定），不同的角度的把事物拼凑起来。有的时候，拼凑的确实太凌乱，一般人看不懂。
这是他得第一人妻子，俄罗斯舞蹈演员。
欣赏毕加索油画
一、画家生平。
巴勃罗·毕加索（Pablo Picasso，1881年～1973年）出生在西班牙马拉加（Malaga），是当代西方最有创造性和影响最深远的艺术家之一，立体画派创始人，毕加索和他的画在世界艺术史上占据了不朽的地位。毕加索是位多产画家。据统计，毕加索的作品总计近 37000 件，包括：油画1885 幅，素描7089 幅，版画20000 幅，平版画6121幅。
巴勃罗·毕加索是个不断变化艺术手法的探求者，印象派、后印象派、野兽派的艺术手法都被他汲取改选为自己的风格。毕加索的才能在于，他的各种变异风格中，都保持自己粗犷刚劲的个性，而且在各种手法的使用中，都能达到内部的统一与和谐。毕加索有过登峰造极的境界，他的作品不论是陶瓷、版画、雕刻都如童稚般的游戏。在毕加索一生中，从来没有特定的老师，也没有特定的子弟，但凡是在二十世纪活跃的画家，没有一个人能将毕加索打开的前进道路完全迂回而进。也正因此毕加索是一位真正的天才。20世纪正是属于毕加索的世纪。毕加索在这个多变的世纪之始从西班牙来到当时的世界艺术之都巴黎，开始他一生辉煌艺术的发现之旅。在20世纪，没有一位艺术家能像毕加索一样，画风多变而人尽皆知。毕加索的盛名，不仅因他成名甚早和《亚威农的少女》、《格尔尼卡》等传世杰作，更因他丰沛的创造力和多姿多彩的生活，他留下了大量多层面的艺术作品。毕加索完成的作品统计约多达六万到八万件，在绘画、素描之外，也包括雕刻、陶器、版画、舞台服装等造型表现。在毕加索1973年过世之后，世界各大美术馆不断推出有关他的各类不同性质的回顾展，有关毕加索的话题不断，而且常常带有新的论点，仿佛他还活在人
二、立体主义
立体主义(Cubism)是西方现代艺术史上的一个运动和流派，又译为立方主义，1908年始于法国。立体主义的艺术家追求碎裂、解析、重新组合的形式，形成分离的画面—以许多组合的碎片型态为艺术家们所要展现的目标。艺术家以许多的角度来描写对象物，将其置于同一个画面之中，以此来表达对象物最为完整的形象。物体的各个角度交错迭放造成了许多的垂直与平行的线条角度，散乱的阴影使立体主义的画面没有传统西方绘画的透视法造成的三维空间错觉。背景与画面的主题交互穿插，让立体主义的画面创造出一个二维空间的绘画特色。
立体主义开始于1908年，由当时居住在 法国巴黎蒙马特区的乔治·布拉克Georges Braque和毕加索Pablo Picasso所建立。
立体主义的主将是毕加索和布拉克。其中毕加索的油画《亚威农少女》(1907年)，被认为是第一幅包含了立体主义因素的作品。
三、作品欣赏
毕加索的名作《格尔尼卡》
毕加索的《格尔尼卡》是联合国会议大厅里永久陈列的一幅画，完成于1937年。《格尔尼卡》起初是毕加索接受西班牙政府的委托为巴黎国际博览会西班牙馆而创作的装饰画，而今天《格尔尼卡》是作为世界反法西斯战争胜利的代表作品为世人仰慕，并时刻警示人们要热爱和平，反对战争。《格尔尼卡》宽350.5厘米，长782.3厘米。毕加索对立体主义绘画进行分解，以半立体、半剪纸的方法用寓意和象征的手法进行表现，作品仅用黑、白、灰三色来画。《格尔尼卡》很有名，大到美术史，小到中小学的美术课本都有专门介绍。
1937年4月的某一天，在巴黎躲避战乱的毕加索听到了一个消息：西班牙美丽的商业小镇格尔尼卡镇被德国轰炸机炸成了一片废墟，当时街上满是人群，镇上无辜的居民惨遭屠杀。毕加索对这一野蛮暴行感到震惊，使他本来就忧郁的情绪转化为满腔愤怒。毕加索决定用画笔作武器，揭露这一令人发指的野蛮行径。
毕加索这幅关于战争题材作品《格尔尼卡》的表现手法，在以前的绘画中找不到相似的例子。如德拉克洛瓦的《希阿岛的屠杀》、席里柯的《梅杜萨之筏》、戈雅的《五月三日的马德里》等表现战争场面的作品，都是用写实手法描绘的，用来记录历史和再现历史。这种现实主义手法是时代公认的手法，是描绘大型战争场面的楷模。可是毕加索一反常态，采用了抽象的象征表现手法。《格尔尼卡》完成后在欧洲巡回展出，没有受到任何指责，而且获得了广泛的赞扬。
抽象主义和立体主义在当时刚刚流行不久，只有小范围的少数人清楚它是怎么一回事。可以说，立体主义绘画就是毕加索开创的。在这之前毕加索本人也没有用抽象手法或象征手法正式画过如此严肃的题材、如此巨大的作品。直到今天，西方人也不一定完全能够接受抽象绘画。抽象绘画的产生提出了“艺术不一定是美的”命题。这一命题或主张，标志着现代艺术与传统艺术的彻底决裂。毕加索的《格尔尼卡》呈现在世人面前的正是那不折不扣的现代主义的表现意图。
毕加索的《格尔尼卡》并没有从唤醒或号召人们武装反抗的角度人手，也没有从谴责和抗议的角度去创作，而是从“悲哀”、“悲伤”、“惊恐”、“痛苦”的角度去表现。虽然这样符合毕加索的性格，但是从美术史的范畴来看不能不说是一个大胆的举动。毕加索在创作过程中写过一首诗很能说明《格尔尼卡》的基调：“……孩子的哭声，女人的哭声，鸟儿的哭声，花儿的哭声，木料和石头的哭声，还有床、椅子、窗帘、瓶罐、猫、纸等的哭声，相互缠绕的气味的哭声……”毕加索从人情味的诗意的角度，以一个“旁观者”的视角来表现战争的残酷，这些都是他与别人不同的地方。
在欣赏《格尔尼卡》时，常常想到一些问题。西方人在接受一个文化事件时，确实具有宽容大度的胸怀，他们很尊重艺术家的才华和人格。姑且抛开作品的效果不说，绘画艺术在一般情况下被认为是画家个人象牙塔中的东西，怎么去表现，怎么去探索是自己的事。立体主义和抽象表现主义更是远离现实生活，作为公众艺术，作为反法西斯的具有政治倾向和针对性的作品，作为一件重要作品，观众还会这样理解？政府还能这样理解？作为画家，谁又能这样表现，谁敢这样表现？如果不是毕加索，确实难以想象。
毕加索之所以是大师是因为毕加索清楚他的使命，并且有能力完成他的使命。毕加索只有通过创造才能赢得他作为生存的权利。当然，艺术创造还取决于艺术家的人格和魄力。艺术家应该时刻提醒自己：应该做什么？做了什么？艺术家在改变自己命运的同时改变着社会。西方人对艺术的宽容大度其实是尊重艺术规律的表现。发挥自己的想象力去理解《格尔尼卡》，艺术作品本来就是供人感觉的。西方美术史家贡布里希说：“就艺术的历史而言，我们必须承认艺术史的主题是艺术家本人，而不是某种民族或风格的结合体。”一部绘画史，可以从多种角度去理解，可以看做是风格演变的历史。时代在变，文化在变，人的审美趣味在变，绘画艺术自然也在变，因此不必要墨守成规。
《亚维农少女》
《亚维农少女》是一件意义重大的油画作品，不仅标志着毕加索个人艺术历程中的重大转折，也是西方现代艺术史上的一次革命性突破，它引发了立体主义运动的诞生。画面左边的三个裸女形象，显然是古典型人体的生硬变形，而右边两个裸女那粗野、异常的面容及体态，则充满了原始艺术的野性特质。野兽派画家发现了非洲及大洋洲雕刻的原始魅力，并将它们介绍给毕加索。
然而用原始艺术来摧毁古典审美的，是毕加索，而不是野兽派画家。在这幅画上，不仅是比例，就连人体有机的完整性和延续性，都遭到了否定。因而这幅油画，“恰似打碎了一地的玻璃”。在油画《亚维农少女中》，立体派油画家毕加索破坏了许多东西，可是，在这破坏的过程中他又获得了什么呢?当我们从第一眼见到此画的震惊中恢复过来，便开始发现，那种破坏却是相当地井井有条：所有的东西，无论是形象还是背景，都被分解为带角的几何块面。我们注意到，这些碎块并不是扁平的，它们由于被衬上阴影而具有了某种三度空间的感觉。我们并不总能确定它们是凹进去还是凸出来；它们看起来有的象实体的块面，有的则象是透明体的碎片。这些非同寻常的块面，使画面具有了某种完整性与连续性。
从这幅油画上，可看出一种在二维平面上表现三维空间的新手法，这种手法早在画家塞尚的画中就已采用了。我们看见，画面中央的两个形象脸部呈正面，但其鼻子却画成了侧面；左边形象侧面的头部，眼睛却是正面的。不同角度的视象被结合在同一个形象上。这种所谓“同时性视象”的语言，被更加明显地用在了画面右边那个蹲着的形象上。这个呈四分之三背面的形象，由于受到分解与拼接的处理，而脱离了脊柱的中轴。它的腿和臂均被拉长，暗示着向深处的延伸；而那头部也被拧了过来，直楞楞地对着观者。毕加索似乎是围着形象绕了180度之后，才将诸角度的视象综合为这一形象的。这种画法，彻底打破了自意大利文艺复兴之始的五百年来透视法则对画家的限制。
油画《亚维农的少女》始作于1906年，至1907年完成，其间曾多次修改。画中五个裸女和一组静物，组成了富于形式意味的构图。这幅画的标题是由毕加索的朋友安德鲁·塞尔曼所加，据说毕加索本人对之并不喜欢。但不管怎样，这只不过是作品名称罢了。在现代艺术中，标题与作品的相关性越来越小，画家们常常有意识地不以标题来说明作品的内容。画家毕加索这幅油画《亚威农的少女》，想必亦是如此。该画原先的构思，是以性病的讽喻为题，取名《罪恶的报酬》，这在最初的草图上一目了然；草图上有一男子手捧骷髅，让人联想到一句西班牙古老的道德箴言：“凡事皆是虚空”。然而在此画正式的创作过程中，这些轶事的或寓意的细节，都被画家去除了。其最终的震撼力，并不是来自任何文学性的描述，而是来自它那绘画性语言的感人力量。